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Johanna von Monkiewitsch

„arisen“

16 Nov – 15 Dec 2019

 

Exhibition Text English (for German version scroll downwards)

 

Johanna von Monkiewitsch could be described as a ‘Licht-Bildner’ or ‘light sculptor’ (see: Stephan Berg, Rittrato/Copia, Museo Ca’Rezzonico, Venice, 2017). And with her new series of canvases, she once again does justice to this description. In her usual minimalist manner, both in terms of the visual language and the use of resources, she now works with canvases for the first time. In the current exhibition, titled arisen, she presents four works in which light-white geometric forms emerge on dark-white canvases, reminiscent of light entering a space through a window. And indeed, the process of creating the works confirms this impression. Covering parts of the canvases, the artist exposed them to the sun of Sardinia for several weeks. Not the artist’s application of paint or gesture, but the energy of the sun creates an image in which the impermanence of the material also suggests the aspect of transience.

 

Time and again, Johanna von Monkiewitsch addresses the interplay of light and shadow. The surfaces of her new wall sculptures made of MDF also create shadow surfaces in their corners and fissures. In addition, the artist has applied shadow illusions to the material with dark pigments that capture a certain moment at which the shadow in her studio drew exactly these lines and which now create a confusion with the actual shadows cast. Image and reproduction, the real and the illusionary can hardly be separated from each other. What is genuine about what we see, what is illusion?

 

In the current exhibition, von Monkiewitsch introduces another new series of works which she calls Billboards. Using her mobile phone, she photographed parts of large-format advertising posters in the city, which in turn have been enlarged and printed on poster paper. Image content and image carrier are thus identical. The artist has wallpapered two of these blue-and-white works, over three metres in size, on the gallery wall, one very high, close to the ceiling, the other flush with the floor. The entire gallery space is utilised, the classical principle of the hanging of pictures at eye-level is thwarted. From a distance, these Billboard works appear as graphic compositions, coloured surfaces and cut-off letters stand side by side. A closer look reveals the creases, dents and folds that were on the posters and that the artist captured in the photograph. The wallpapered poster panels appear like a second skin on the gallery wall. Unevenness, dents and joints in the concrete wall press through the paper, so that photographed material surfaces and actual surfaces overlap.

 

As the fourth medium – alongside photos on poster paper, MDF sculptures and bleached canvases – von Monkiewitsch is presenting a video projection, which was created during her fellowship at the German Study Centre in Venice. In this city, the intensity of light is especially high, and the incidence of light is particularly versatile due to the narrow alleys, canals, palazzi and squares. On a wall, the artist discovered a patch of sunlight reflected from the water surface of the canal into the building – iridescent and constantly in motion due to the dynamics of the waves – and filmed this. This approximate two-minute-long, transient ‘light image’ was thus preserved and can be reproduced again and again. The artist has now projected it onto the gallery wall with a beamer, where it moves like an immaterial, intangible sculpture in an almost dance-like manner, constantly taking on new, changing forms before the loop begins after again.

 

The exhibition thus features a wide variety of light constellations and materials: from the sculptural-spatial to flat, from static moments to moving sequences of light. These include the most diverse properties of light, which the artist has deliberately combined and placed next to each another or in groups: Different angles of incidence (e.g. diagonal or frontal) and light intensities (from soft, fog-like light clouds to hard shadow edges) create an irrational image that eludes rational classification and regularity. A kind of ‘light-image-reproduction’ collage of intangible arrangement interweaves itself in and with the space!

 

Biography:

Johanna von Monkiewitsch (born 1979 in Rome, lives and works in Cologne) studied Fine Art at the Braunschweig University of Art (HBK). In recent years, her works have been presented in exhibitions at the Kölnischer Kunstverein in Cologne, the Kunstverein Wolfenbüttel, the Kunstraum Alexander-Bürkle in Freiburg, the gallery Berthold Pott in Cologne and the Museo Ca’Rezzonico in Venice (museum support programme of the Venice Biennale 2017). She received, among others, a grant from the Kölnischer Kunstverein, a work scholarship from the Kunstfonds Bonn, a fellowship from the German Study Centre in Venice and recently the scholarship „Bremerhaven Stipendium“ for 2020/21. For the last two years, she has worked as an Assistant Professor at the Düsseldorf Academy of Art.

 

Exhibition Text German:

Johanna von Monkiewitsch könnte man auch als „Licht-Bildnerin“ bezeichnen (vgl. Stephan Berg, „Rittrato/Copia“ Museo Ca´Rezzonico, Venedig, 2017) und mit ihrer neuen Serie an Leinwänden wird sie dieser Beschreibung wieder gerecht. In gewohnt minimalistischer Weise, sowohl was die Bildersprache, als auch den Einsatz der Mittel angeht, arbeitet sie erstmalig mit Leinwänden. In der aktuellen Ausstellung „arisen“ zeigt sie vier Arbeiten, auf denen sich hell-weiße geometrische Formen auf dunkel-weißer Leinwand abzeichnen, die an einen Lichteinfall durch ein Fenster im Raum erinnern. Und tatsächlich bestätigt der Entstehungsprozess der Arbeiten diesen Eindruck. So hat die Künstlerin die Leinwände über mehrere Wochen der Sonne Sardiniens ausgesetzt und dabei Teile der Leinwand abgedeckt. Nicht Farbauftrag oder Geste der Künstlerin, sondern die Energie der Sonne erschafft ein Bild, in dem sich mit der Unbeständigkeit des Materials auch der Aspekt der Vergänglichkeit andeutet.

 

Das Zusammenspiel von Licht und Schatten thematisiert Johanna von Monkiewitsch immer wieder. Auch die Flächen ihrer neuen Wandskulpturen aus MDF schaffen in ihren Winkeln und Spalten Schattenflächen. Zusätzlich hat die Künstlerin mit dunklen Pigmenten Schattenillusionen auf das Material aufgetragen, die einen bestimmten Moment festhalten, an dem der Schatten in Ihrem Atelier genau diese Linien zeichnete und die nun mit den tatsächlichen Schattenwürfen ein Verwirrspiel treiben. Bild und Abbild, Reales und Illusionäres sind kaum noch von einander zu trennen. Was ist wahrhaftig an dem, was wir sehen, was ist Illusion?

 

In der aktuellen Ausstellung führt von Monkiewitsch eine weitere neue Serie von Arbeiten ein, die sie „Billboards“ nennt. Mit dem Handy hat sie Teile von großflächigen Werbeplakaten in der Stadt abfotografiert und diese wiederum in Ausschnitten vergrößert auf Plakatpapier ausgedruckt. Bildinhalt und Bildträger sind somit identisch. Zwei dieser blau-weißen, über drei Meter großen Arbeiten hat die Künstlerin auf die Galeriewand plakatiert, eine davon sehr hoch, deckennah, die andere bis zum Boden reichend und bündig abschließend. Der Galerieraum wird in Gänze bespielt, das klassische Augen hohe „Hängeprinzip“ des Bildes durchbrochen.

Von weitem erscheinen diese Billborad-Arbeiten wie grafische Kompositionen, Farbflächen und angeschnittene Buchstaben stehen nebeneinander. Bei näherer Betrachtung entdeckt man vor allem die Knicke, Beulen und Falzungen, die auf den Plakaten waren und die die Künstlerin im Foto festgehalten hat. Die tapezierten Plakatbahnen erscheinen wie eine zweite Haut auf der Galeriewand. Unebenheiten, Beulen und Fugen in der Betonwand drücken sich durch das Papier, fotografierte Materialoberflächen und tatsächliche Oberflächen überlagern sich.

 

Als viertes Medium – neben Foto auf Plakatpapier, MDF-Skulpturen und gebleichten Leinwänden – zeigt von Monkiewitsch Videoprojektion, die während Ihres Stipendiums im Deutschen Studienzentrum in Venedig entstanden ist. In dieser Stadt ist die Lichtintensität besonders hoch und die Lichteinfälle bedingt durch die engen Gassen, Kanäle, Palazzi und Plätze besonders vielseitig. Ein von der Wasseroberfläche des Kanals in ein Gebäude gespiegeltes Sonnen-Licht, changierend und ständig in Bewegung durch die Wellendynamik des Wassers, hat die Künstlerin an einer Wand entdeckt und abgefilmt. Somit wurde dieses ca. zweiminütige Lichtbild erhalten und kann stets wieder reproduziert werden. Die Künstlerin hat ihn nun mit dem Beamer an die Galeriewand projiziert, wo er sich wie eine immaterielle, nicht greifbare Skulptur fast tänzerisch bewegt, und dabei immer neue, wechselnden Formen einnimmt, bevor nach zweieinhalb Minuten der Loop einsetzt.

 

In der Ausstellung finden sich also ganz unterschiedliche Lichtkonstellationen und Materialien: von skulptural-raumgreifend bis flach, von statischen Lichtmomenten hin zu bewegten Lichtverläufen. Diese beinhalten unterschiedlichste Lichtgesetzmäßigkeiten, die die Künstlerin bewusst miteinander kombiniert und nebeneinander oder in Gruppen gestellt hat: unterschiedliche Lichteinfallswinkel (wie z.B. schräg oder frontal), Lichtintensitäten (von weichen, nebelartigen Lichtwolken bis zu harten Schattenkanten) kreieren ein irrationales Bild, welches sich einer rationalen Einordnung und Gesetzmäßigkeit entzieht. Eine Art Licht-Bild-Abbild Collage nicht greifbarer Anordnung verwebt sich in und mit dem Raum!

 

Biographie:

Johanna von Monkiewitsch (geb. 1979 in Rom, lebt u. arbeitet in Köln) hat an der HBK in Braunschweig Freie Kunst studiert. Ihr Werk umfasst die Genres Video, Fotografie, Skulptur, Leinwand- und Papierarbeiten. In den letzten Jahren war sie z.B. in Ausstellungen im Kölnischen Kunstverein, im Kunstverein Wolfenbüttel, im Kunstraum Alexander-Bürkle in Freiburg, in der Galerie Berthold Pott in Köln oder im Museo Ca´Rezzonico in Venedig (Museumsrahmen-Programm der Venedig Biennale 2017) zu sehen. Im Jahr 2020 wird sie eine Einzelausstellung im Kunstverein Bochum haben, 2021 eine Einzelausstellung in der Kunsthalle Bremerhaven. Sie erhielt u.a. das Stipendium des Kölnischen Kunstvereins, das Arbeitsstipendium Kunstfonds Bonn, das Stipendium des Deutschen Studienzentrum in Venedig und gerade das „Bremerhaven Stipendium“ 2020/21. In den letzten zwei Jahren war sie als Assistent Professor an der Kunstakademie in Düsseldorf beschäftigt.

 

 

 

Exhibition PAST:

 

Place Vendôme

with Florian Auer,

Jonathan Binet,

Giulia Cenci,

Isaac Lythgoe,

Athena Papadopoulos

 

Sept 6 – Oct 5, 2019

 

Exhibition Text German and English scroll downwards!

 

Installation Views: 

 

 

Works: 

 

Florian Auer

 

Floria Auer

 

Florian Auer

 

Floria Auer

 

Jonathan Binet

 

Giulia Cenci

 

Giulia Cenci

 

Giulia Cenci

 

Giulia Cenci

 

Isaac Lythgoe

 

Athena Papadopoulos

 

Athena Papadopoulos

 

Athena Papadopoulos

 

TEXT DEUTSCH (for English version scroll downwards)

Place Vendôme

Am Freitag, 6. September, eröffnet die Galerie Berthold Pott in Köln die Gruppenausstellung „Place Vendôme“ im Rahmen des diesjährigen DC Opens. In der Gruppenausstellung sind Werke der 1988 geborenen italienischen Künstlerin Giulia Cenci, der in London lebenden kanadischen Künstlerin Athena Papadopoulos (1988), des in Berlin lebenden Künstlers Florian Auer (1984), des 1985 geborenen französischen Künstlers Jonathan Binet und des in London lebenden Briten Isaac Lythgoe (1989) zu sehen.

Narrative und bisweilen apokalyptische Züge versprüht die Skulptur von Isaac Lythgoe. Aus einem tiefen Rahmen und teils hinter einer Glasscheibe verborgen, ragt ein giftgrüner Männerkopf vor kupferfarbener Scheibe – mehr Maske als Gesicht – heraus und scheint sich neugierig in das Geschehen zu strecken. Ausdruck, Farben und Mimik erinnern an Stanley Ipkiss im Film „The Mask“ von 1984, so wie viele von Lythgoes Skulpturen Bezüge zu fiktionalen und mythologischen Kontexten haben.

Auch in Athena Papadopoulos Arbeiten lassen sich menschliche Fragmente entdecken, Beine, Schuhe und Stiefel sind deutlich zu identifizieren und deuten ebenfalls Geschehenes an. Bezüge zum Schicksal der beinamputierten Großmutter werden offenbar: In ihrer Arbeit „Ants Piss“, die drei Bein-Paare, überzogen mit farbigen Stoffen, zeigt, sind unterschiedlichste Materialien verarbeitet worden: Unter einer durchsichtigen Schicht von Kunstharz lassen sich z.B. Vogelknochen, Schwangerschafts-Tests oder Konfetti entdecken. Dieses bizarre und skurrile Ensemble schafft Andeutungen und bietet die Vorlage für mögliche Verbindungen und Geschichten. Die beiden weiteren Skulpturen, unter anderem „Diablo Dyspareunia Delirium Tremens“ zeigen ein verschlungenes Konstrukt aus Stofffragmenten und von Stoff umwickelten Drähten und sind einer Mischung aus Himmelbett und Tier ähnlich, das mit vier Beinen und einem geringeltem Schwanz, traumwandelnd Lebendiges vermuten lässt und jeweils auf einem alten Teewagen mit Rollen platziert, zu schweben scheint.

Giulia Cencis Wandskulpturen hängen wie Rohrleitungen auf der Wand oder ragen wie Äste in den Raum. Dabei wirken sie mit ihren weiß-transparenten Gummibeschichtungen und asphaltfarbener, feiner Vulkan-Asche versetzt, sehr organisch, fast wie Knochen mit Gelenken, Sehnen und Bänder. In der Ausstellung sind sie über die Ausstellungswände verteilt, mal sehr bodennah zu finden, mal hoch an der Wand positioniert.

Florian Auer ist in der Ausstellung mit einer großen Licht Arbeit, zwei Malereien und einer Wandskulptur vertreten. Seine neuen Malereien zeigen eine Bildersprache, die sich zwischen digital erzeugten Texturen und Farbschichten bewegt und dabei neue, ganz eigene Bild-Realitäten erzeugt. Digitale Dreidimensionalitäten illusionieren Perspektiven und Volumen, die der Künstler ergänzt, übermalt, zerlegt und wieder neu zusammensetzt.

Binets Tafelbilder leben von der Bipolarität des Schweren und Leichten. Aussparungen und „Weglassen“ in seinen Kompositionen eröffnen Einsichten und Durchblicke auf Konstruktionen des dahinter liegenden Rahmens und den Prozessen des Erschaffens. Illusionen von Volumen und Körperhaftem werden von gesprayten Farbwolken erschaffen. Getragen, bzw. umrahmt sind die so leicht anmutenden Leinwände dazu im Gegensatz von einem massiven, rohen Stahlrahmen, der der Malerei etwas Skulpturales, Objekthaftes verleiht. Bei näherer Betrachtung treten minimale, scheinbar „fehlerhafte“ Kompositionen zu Tage, wie zum Beispiel heraushängende Leinwandfragmente oder sich durchdrückende Unterkonstruktionsdetails, die die Gesamtkomposition in einen Zustand des gesteuerten Ungleichgewicht zu bewegen scheinen.

Das gesamte Ausstellungs-Ensemble ergibt ein skurriles Szenario, das von Vergangenem und Schicksalhaftem zu berichten scheint, aber auch eine Leichtigkeit und Liebe zum Detail transportiert: leicht, schwebend, schreiend, warnend, ganz wie auf den großen zentralen Plätzen der Metropolen, wie zum Beispiel dem „Place Vendome“ in Paris, wo sich seit Jahrhunderten Schmuck- und Handwerkskunst, Familientradition, Mode, Familiendynastien und -schicksale versammeln und sich Hoffnungen, Liebe und Zeitgeist manifestieren. So wie in dem gleichnamigen französischen Film „Place Vendôme“ mit Catherine Deneuve und Jacques Dutronc aus dem Jahr 1998.

 

Biographien:

Florian Auer, 1984, lebt und arbeitet in Berlin, Ausgewählte Einzelausstellungen: Kraupa-Tuskany Zeidler Berlin (2019, 2016, 2014, 2012), Städtische Galerie Nordhorn 2028 (Kunstpreis der Stadt Nordhorn, 2017), Piktogram Warschau (2017), Sismografo, Porto (2016), Albertinum, Dresden (2016), Salon Kennedy (mit Yves Scherer, 2015), Kunstverein Braunschweig (2014), S.M.A.K., Gent (2013), Liste Art Fair, Basel (2013)

Jonathan Binet, 1985, lebt und arbeitet in Paris, Ausgewählte Einzelausstellungen: Berthold Pott Köln (upcoming 2020, 2017), Balice/Hertling , Paris (2019, 2016), Palais de Terre, Paris (2016), Bonner Kunstverein (2015), Carl Kostyal, London (2015), Kunsthalle Sankt Galleren (2015), Art Basel Statements (2013), Gaudel da Stampa, Paris (2013), Palais de Tokyo, Paris (2012)

Giulia Cenci, 1988, geboren in Cortona (I), lebt und arbeitet in Amsterdam, Ausgewählte Einzelausstellungen: Art Basel Statements mit SpazioA: (2019), Kunst Merano Arte, Merano, Italy (2019), SpazioA Pistoia, Italy (2017, 2014, 2013), Carreras Mugica (Hall), Bilbao Spain (2017), De Ateliers, Amsterdam, NL (2017), Ausgewählte Gruppenausstellungen: 15th Lyon Biennale curated by Palais de Tokyo, Museo Novecento, Florenz (2018), Museo Palazzo Fortuny, Venedig (2018), Fondazione Baruchello, Rom (2018)

Isaac Lythgoe, 1989, lebt und arbeitet in London, Ausgewählte Ausstellungen: Liste Art Fair mit Super Dakota (solo, 2019), Super Dakota Brussels (solo, upcoming 2020), Piktogram Warschau (group, 2019), Exo Exo, Paris (solo, 2017), Dash Kortrijk (group, 2019), „Michael Jackson on the wall“ National Portrait Gallery London und Bundeskunsthalle Bonn

Athena Papadopoulos, 1988 in Toronto geboren, lebet und arbeitet in London, Ausgewählte Einzelausstellungen: TBC, Mostyn, Wales (upcoming 20209, TBC Liebaert Projects, Kortrijk, BE (upcoming 2019), Kunsthalle Lisbon, Portugal (2019), Humber Street Gallery, Hull, UK (2019), Emalin London (2017, 2015), CURA Rom (2017), Shoot the Lobster, NY (2016), Supportico Lopez Berlin (2015), Zabludowicz Collection London (2015), Ausgewählte Gruppenausstellungen: The institute of Contemporary Art (ICA), Los Angeles, USA (upcoming 2020), Drawing Room London (2019)

 

TEXT ENGLISH

 

Place Vendôme

Group exhibition with works by Florian Auer, Jonathan Binet, Giulia Cenci, Isaac Lythgoe and Athena Papadopoulos at Berthold Pott, Cologne

6 September – 5 October 2019

 

On Friday, 6 September, the gallery Berthold Pott in Cologne will open the group exhibition Place Vendôme in conjunction with this year’s DC Opens. The group exhibition includes works by the Italian artist Giulia Cenci (b. 1987), the London-based Canadian artist Athena Papadopoulos (b. 1988), the Berlin-based artist Florian Auer (b. 1984), the French artist Jonathan Binet (b. 1985) and the London-based British artist Isaac Lythgoe (b. 1989).

The sculptures by Isaac Lythgoe reveal narrative and at times apocalyptic characteristics. Partly hidden behind a pane of glass, the poison-green head of a man protrudes out of a deep frame in front of a copper-coloured panel – more a mask than a face – and seems to curiously peer out into what is taking place in front of him. Just as many of Lythge’s sculptures refer to fictional and mythological contexts, the expression, colour and facial features of the work on view are reminiscent of Stanley Ipkiss in the 1984 film The Mask (1984).

Human fragments can also be discovered in the works of Athena Papadopoulos; legs, shoes and boots can be clearly identified and likewise suggest an occurrence. References to the fate of her grandmother, whose leg had to be amputated, become apparent and are intentional. In her work Ants Piss, comprised of three pairs of legs covered with coloured fabrics, a wide variety of materials have been used: Avian bones, pregnancy tests and confetti, for example, can be discovered under a transparent layer of synthetic resin. This bizarre and quirky ensemble is rich in associations and offers the basis for possible connections and stories. Two other sculptures are comprised of an intertwined construct of ribbons and wires and recall a mixture of canopy bed and animal, which with four legs and a curled tail suggests something alive and seems to float on an old, wheeled tea trolley.

Giulia Cenci’s sculptures hang on the wall like pipes or protrude into the room like branches. With their transparent-white rubber coatings and fine, asphalt-coloured volcanic ash, they appear highly organic, almost like bones with joints, tendons and ligaments. The works are distributed throughout the exhibition space, at times very close to the ground and at other times positioned high on the wall.

Florian Auer is represented in the exhibition with a large light work, two paintings and a wall sculpture. His new paintings make use of a visual language that oscillates between digitally generated textures and layers of colour, thereby creating new, completely unique pictorial realities. Digital three-dimensionality creates the illusion of perspectives and volumes, which the artist complements, paints over, takes apart and reassembles.

Jonathan Binet’s panel paintings live from the bipolarity of heaviness and lightness. Recesses and ‘omissions’ in his compositions open up insights and perspectives into the constructions of the frame behind them, as well as to the processes of their creation. Illusions of volume and the physical are created by sprayed clouds of colour. The seemingly light canvases are supported or surrounded by massive, raw steel frames, which lends the paintings a sculptural and object-like dimension. On closer inspection, minimal, seemingly ‘faulty’ compositions come to light, such as fragments of canvas hanging out or penetrating substructure details that seem to shift the overall composition into a state of controlled imbalance.

The exhibition ensemble as a whole results in a bizarre scenario that seems to tell of the past and the fateful, but also conveys a sense of lightness and attention to detail: light, floating, screaming, warning, as on the great central squares of the metropolises, such as the Place Vendôme in Paris, where jewellery and craftsmanship, tradition, fashion, family dynasties and fates have gathered for centuries and where hopes, love and zeitgeist manifest themselves – as in the eponymous French film Place Vendôme from 1998 with Catherine Deneuve and Jacques Dutronc.

 

Biographies:

Florian Auer, 1984, lives and works in Berlin, Selected Solo Exhibitions: Kraupa-Tuskany Zeidler Berlin (2019, 2016, 2014, 2012), Städtische Galerie Nordhorn 2028 (Kunstpreis der Stadt Nordhorn, 2017), Piktogram Warsaw (2017), Sismografo, Porto (2016), Albertinum, Dresden (2016), Salon Kennedy (mit Yves Scherer, 2015), Kunstverein Braunschweig (2014), S.M.A.K., Gent (2013), Liste Art Fair, Basel (2013)

Jonathan Binet, 1985, lives and works in Paris, Selected Solo Exhibitions: Berthold Pott Köln (upcoming 2020, 2017), Balice/Hertling , Paris (2019, 2016), Palais de Terre, Paris (2016), Bonner Kunstverein (2015), Carl Kostyal, London (2015), Kunsthalle Sankt Gallen (2015), Art Basel Statements (2013), Gaudel da Stampa, Paris (2013), Palais de Tokyo, Paris (2012)

Giulia Cenci, 1988, born in Cortona (I), lives and works in Amsterdam, Selected Solo Exhibitions: Art Basel Statements with SpazioA: (2019), Kunst Merano Arte, Merano, Italy (2019), SpazioA Pistoia, Italy (2017, 2014, 2013), Carreras Mugica (Hall), Bilbao Spain (2017), De Ateliers, Amsterdam, NL (2017), Ausgewählte Gruppenausstellungen: 15th Lyon Biennale curated by Palais de Tokyo, Museo Novecento, Florence (2018), Museo Palazzo Fortuny, Venice (2018), Fondazione Baruchello, Rome (2018)

Isaac Lythgoe, 1989, lives and works in London, Selected Solo Exhibitions: Liste Art Fair with Super Dakota (solo, 2019), Super Dakota Brussels (solo, upcoming 2020), Piktogram Warsaw (group, 2019), Exo Exo, Paris (solo, 2017), Dash Kortrijk (group, 2019), „Michael Jackson on the wall“ National Portrait Gallery London and Bundeskunsthalle Bonn (2019)

Athena Papadopoulos, 1988 born in Toronto, lives and works in London, Selected Solo Exhibitions: TBC, Mostyn, Wales (upcoming 20209, TBC Liebaert Projects, Kortrijk, Belgium (upcoming 2019), Kunsthalle Lisbon, Portugal (2019), Humber Street Gallery, Hull, UK (2019), Emalin London (2017, 2015), CURA Rom (2017), Shoot the Lobster, NY (2016), Supportico Lopez Berlin (2015), Zabludowicz Collection London (2015), Selected Group Exhibitions: The institute of Contemporary Art (ICA), Los Angeles, USA (upcoming 2020), Drawing Room London (2019)